Unterrock mit Kultstatus: Die faszinierende Geschichte des Petticoats

Eng geschnürte Taillen, weite, schwingende Röcke und eine Silhouette, die pure Lebensfreude ausstrahlte: Der Petticoat war das ultimative Mode-Symbol der 1950er-Jahre. Der bauschige Unterrock wurde zum Fundament einer ganzen Epoche.

 Die Geschichte:

Die Wurzeln des Petticoats reichen weit zurück. Schon im 16. Jahrhundert formten steife Unterröcke (wie die Verdugado) die Kleider des Adels, gefolgt von der weiten Krinoline im 19. Jahrhundert.

Die Geburtsstunde des modernen Petticoats schlug jedoch 1947 mit Christian Diors legendärem „New Look“. Dior brach radikal mit der kargen Kriegsmode und setzte auf verschwenderische Stoffmengen und eine extrem betonte Wespentaille. Um diesen weiten „Tellerkleidern“ Stand zu verleihen, brauchte es Volumen.

Der eigentliche Durchbruch im Alltag gelang in den 1950ern durch den Einzug neuer Kunstfasern wie Nylon und Perlon. Im Gegensatz zu den schweren, gestärkten Baumwollröcken der Vergangenheit waren die neuen Nylon-Petticoats:

• Extrem leicht und elastisch
• Pflegeleicht und schnell trocknend
• Formstabil, ohne dass man sie ständig stärken musste
  
  
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  Wer trug den Petticoat in den 50ern?

  Der Petticoat war ein modisches Chamäleon und wurde von fast allen Gesellschaftsschichten getragen – allerdings auf völlig unterschiedliche Weise:
• Die elegante Damenwelt: Für die bürgerliche Frau war der Petticoat ein funktionales Unterkleid. Er gehörte zur perfekten Garderobe für den Kaffeeklatsch, die Abendgala oder den Sonntagsspaziergang.
• Die tanzende Jugend: Mit dem Aufkommen des Rock ’n’ Roll und des Jive entdeckten Teenager und junge Frauen (die sogenannten Backfische) den Petticoat für sich. Beim wilden Tanzen wirbelten die Röcke hoch und machten den Unterrock zum Star der Tanzfläche.
  
  
  
  
  

  Knigge-Frage: Rausgucken lassen oder nicht?

  Die Frage, ob der Petticoat unter dem Saum hervorblitzen durfte, spaltete die Generationen und war eine Frage des Anstands:

  • Das Establishment sagte: Nein! Nach den klassischen Benimmregeln der 50er-Jahre galt es als absoluter Fauxpas (ein „Blitzer“), wenn die Unterwäsche zu sehen war. Der Petticoat hatte unsichtbar für die perfekte Silhouette zu sorgen.
  • Die Jugend rebellierte: Ja, unbedingt! Für die Rockabilly- und Rock-’n’-Roll-Szene wurde das Herausschauenlassen zum modischen Statement. Die Säume wurden extra mit bunten Spitzen, Spitzenborten oder farbigen Bändern verziert. Je mehr man beim Drehen oder Gehen vom farbigen Nylon sah, desto cooler war der Look.
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  Der Petticoat heute: Wer trägt ihn?

  Mit dem Aufkommen der cleanen, geraden Mode der 1960er-Jahre verschwand der Petticoat fast komplett aus dem Alltag. Doch er ist keineswegs tot. Heute findet man ihn in klaren Nischen:
• Rockabilly- & Vintage-Szene: Auf Festivals, Oldtimer-Treffen oder im Alltag tragen Liebhaberinnen der 50er-Jahre den Look mit Stolz und lassen den Petticoat auch heute gern farbig hervorblitzen.
• Gothic- & Lolita-Mode: In der japanischen Lolita-Fashion sowie in Teilen der Gothic-Szene (z.B. Romantic Gothic) sind Petticoats essenziell, um die typische Puppen- oder Glockenform der Röcke zu erzeugen.
• Braut- und Abendmode: Für den großen Auftritt – sei es beim Wiener Walzer auf einem Ball oder beim Gang zum Altar im klassischen Prinzessinnen-Brautkleid – sorgt der Petticoat im Hintergrund nach wie vor für das nötige Volumen.

Der Petticoat bleibt damit eines der faszinierendsten Kleidungsstücke der Modegeschichte: Einst unsichtbarer Formgeber, dann Symbol jugendlicher Rebellion und heute das Herzstück zeitloser Retro-Eleganz.

 In unserem Onlineshop findet ihr Petticoats in verschiedenen Farben. Schön fluffig und angenehm zu tragen. Natürlich findet ihr dort auch passende Kleider, Röcke, Nahtstrümpfe und vieles mehr.

 

Bakelit: Der Stoff, aus dem die Moderne geformt wurde

Wenn wir heute an Kunststoff denken, kommen uns oft billige Wegwerfartikel in den Sinn. Doch das war nicht immer so. Es gab eine Zeit, in der Kunststoff edel, revolutionär und der absolute Trendstoff im Design war. Die Rede ist von Bakelit – dem weltweit ersten vollsynthetischen Kunststoff, der das Gesicht des 20. Jahrhunderts von Grund auf verändert hat.

Besonders in den 1940er, 1950er und 1960er Jahren war das Material aus den Haushalten nicht wegzudenken. Vom ikonischen Telefon bis hin zu buntem Modeschmuck: Bakelit prägte die Ästhetik einer ganzen Epoche

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Die Geburtsstunde eines Genies: Die Geschichte hinter dem Material.

Der Siegeszug des Materials begann im Jahr 1907 in einem Labor in New York. Dem belgischen Chemiker Leo Hendrik Baekeland gelang ein historischer Durchbruch: Durch die kontrollierte chemische Reaktion von Phenol und Formaldehyd erschuf er einen völlig neuen Stoff.

Das Besondere an diesem duroplastischen Kunststoff war seine enorme Hitzebeständigkeit. Einmal in Form gepresst und ausgehärtet, schmolz Bakelit selbst unter extremen Temperaturen nicht mehr und leitete keinen Strom. Im Jahr 1909 patentiert, trat der Werkstoff unter dem griffigen Namen „Bakelit“ seinen weltweiten Triumphzug an und läutete das Zeitalter der Kunststoffe ein.

Kult und Alltag: Die Blütezeit von den 40er bis zu den 60er Jahren.

Während Bakelit anfangs vor allem in der Elektroindustrie für Schalter und Isolatoren genutzt wurde, entdeckten Designer in der Mitte des Jahrhunderts das enorme gestalterische Potenzial. In den 1940er bis 1960er Jahren erreichte die Bakelit-Welle ihren absoluten Höhepunkt.

Kultobjekt Telefon: Das W48 und seine Verwandten.

Wer an alte Filme aus den 50er Jahren denkt, hat sofort das Bild vor Augen: Ein schweres, tiefschwarzes Telefon mit mechanischer Wählscheibe. In Deutschland wurde das Modell W48 zum Inbegriff des modernen Telefons. Das Gehäuse aus Bakelit verlieh ihm nicht nur die charakteristische, glänzende Optik, sondern auch eine legendäre Robustheit. Es lag kühl und schwer in der Hand und steht heute wie kaum ein anderes Objekt für die Jahrhundertmitte.

Lampen und Haushaltsgeräte: Formschön und feuerfest.

Dank seiner isolierenden Eigenschaften eignete sich Bakelit perfekt für alles, was mit Strom und Wärme zu tun hatte. In den 40er und 50er Jahren wurden unzählige Schreibtischlampen, Nachttischleuchten und Küchengeräte aus dem dunklen Material gefertigt. Bekannte Bauhaus-Designer nutzten den Werkstoff, um minimalistische, funktionale Leuchten zu entwerfen, die heute begehrte Sammlerstücke sind. Auch Radio-Gehäuse im unverkennbaren Retro-Look wurden millionenfach aus Bakelit gepresst.

Bunter Modeschmuck: Die farbenfrohe Ausnahme.

Obwohl das klassische Industrie-Bakelit meist dunkelbraun oder schwarz war, gab es Abwandlungen – wie etwa das verwandte Edelharz Catalin –, die in wunderschönen Farben leuchteten. In den 1940er und 1950er Jahren boomte der farbenfrohe Bakelit-Schmuck. Breite Armreifen, klobige Ketten und kunstvolle Broschen in Knallrot, Sonnengelb oder marmorierten Bernsteintönen wurden zum Markenzeichen selbstbewusster Frauen. Berühmtheiten wie Coco Chanel machten den Kunststoff-Schmuck absolut salonfähig.

Vom Alltagsstoff zum begehrten Sammlerobjekt

Gegen Ende der 1960er Jahre wurde Bakelit nach und nach von neueren, billigeren Kunststoffen wie Thermoplasten (z. B. Polyethylen oder PVC) abgelöst, die sich schneller und in noch mehr Farben verarbeiten ließen.

Doch das Erbe bleibt lebendig. Heute erlebt Bakelit ein riesiges Comeback in der Vintage- und Retrowelle. Sammler auf der ganzen Welt stöbern auf Flohmärkten und Online-Plattformen nach Originalen aus der Mitte des letzten Jahrhunderts. Das unverkennbare Klacken der Wählscheibe eines Bakelittelefon oder das warme Leuchten einer alten Tischlampe verströmen eine Nostalgie, die moderne Kunststoffe einfach nicht kopieren können. Bakelit war eben nicht nur Plastik – es war der Beginn einer neuen Design-Ära.

In unserem E-Bay Shop erhaltet ihr zahlreiche original Bakelit Artikel & noch so vieles mehr aus den alten Zeiten.

Pflegetipps für deine Bakelit-Schätze.

Damit alte Telefone, Lampen oder Schmuckstücke aus Bakelit ihren typischen Glanz behalten und nicht stumpf werden, benötigen sie die richtige Pflege. Da es sich um einen historischen Kunststoff handelt, solltest du aggressive Chemikalien unbedingt vermeiden.

Die richtige Reinigung

• Sanft abwischen: Staub und leichter Schmutz lassen sich am besten mit einem weichen, trockenen Mikrofasertuch entfernen.
• Feuchte Reinigung: Bei hartnäckigeren Verschmutzungen hilft ein leicht angefeuchtetes Tuch mit einem Tropfen mildem Spülmittel. Wische das Objekt danach sofort trocken, da stehende Feuchtigkeit das Material angreifen kann.
• Niemals in die Spülmaschine: Bakelit-Küchenutensilien oder Griffe gehören auf keinen Fall in die Spülmaschine, da die Hitze und die aggressiven Reiniger die Oberfläche unwiderruflich zerstören.
  
  

Glanz auffrischen

• Matte Oberflächen behandeln: Wenn das Bakelit über die Jahrzehnte stumpf geworden ist, hilft eine Spezialpolitur für Kunststoffe (wie z. B. Simichrome Polish) oder eine sehr feine Autopolitur ohne Schleifmittel.
• Hausmittel-Tipp: Ein paar Tropfen normales Haushalts- oder Olivenöl auf einem weichen Tuch wirken oft Wunder. Reibe das Bakelit dünn damit ein und poliere es anschließend mit einem sauberen Tuch gründlich trocken. Das bringt den tiefen, warmen Glanz zurück.
  
  

Der Echtheits-Check: Ist es wirklich Bakelit?

Da heute viele Repliken aus modernem Plastik im Umlauf sind, kannst du deine Fundstücke mit zwei einfachen Methoden testen:

1. Der Heißwasser-Test: Halte das Objekt kurz unter fließendes, heißes Wasser oder reibe kräftig mit dem Daumen daran, bis das Material durch die Reibung warm wird. Riecht es danach charakteristisch chemisch-medizinisch (nach Phenol oder Karbol), handelt es sich um echtes Bakelit. Modernes Plastik riecht meist nach verbranntem Wachs oder gar nicht.
2. Der Sound-Test: Wenn du zwei echte Bakelit-Armreifen oder -Gegenstände leicht aneinander klopfst, erzeugen sie ein tiefes, sattes, fast holzartiges Klacken („Clunk“). Billiges Plastik klingt dagegen hoch und hohl.

Mid Century und Space Age

 

Willkommen in der Zukunft von gestern! Lasst uns doch mal einen Blick auf die Ära voller organischer Formen, futuristischer Visionen und mutiger Farben werfen. Der Mid-Century- und Space-Age-Designstil der 1950er bis 1970er Jahre prägt bis heute unsere Vorstellung von modernem Wohnen.

Wann war die Ära?

Die Epoche erstreckt sich grob über die 1950er, 1960er und frühen 1970er Jahre.

• Mid-Century Modern: Begann bereits in den späten 1940er Jahren nach dem Ende des Zweiten Weltkriegs und hatte seine Hochphase in den 50er und 60er Jahren.
• Space Age: Bildet die futuristische Evolution dieses Stils ab den späten 1950er Jahren und gipfelte im Jahr 1969 mit der Mondlandung, bevor der Stil in den Mid-70s langsam von erdigeren Tönen abgelöst wurde.
  
  
  Woher kommen die Namen?

• Mid-Century Modern: Der Begriff bedeutet übersetzt schlicht „Modernes Design der Jahrhundertmitte“. Erfunden und populär gemacht wurde die Bezeichnung allerdings erst nachträglich im Jahr 1984 von der Autorin Cara Greenberg in ihrem Buch „Mid-Century Modern: Furniture of the 1950s“.
• Space Age: Dieser Name (zu Deutsch: „Weltraumzeitalter“) ist ein direktes Kind des Kalten Krieges und des sogenannten Wettlaufs ins All (Space Race). Der Start des sowjetischen Satelliten Sputnik im Jahr 1957 entfachte eine weltweite Faszination für das Universum, die Popkultur, Mode und Architektur im Sturm eroberte.
  
  
  
  Was machte den Stil aus? (Merkmale & Design)
  Der Übergang vom klassischen Mid-Century zum Space Age markiert den Sprung vom gemütlich-eleganten Funktionalismus hin zu progressiver, fast schon utopischer Ästhetik.
  Mid-Century Modern: Die Eleganz der Natur
  Nach den Entbehrungen des Krieges sehnten sich die Menschen nach Wohnlichkeit, die gleichzeitig modern war.
• Materialien: Warmes Teak-, Nussbaum- und Palisanderholz, oft kombiniert mit feinen Beinen aus schwarzem Metall oder Messing.
• Formen: Organische, geschwungene Linien, die sich dem menschlichen Körper anpassen (z. B. die Entwürfe von Charles und Ray Eames).
• Motto: Form follows function – Möbel sollten funktional, erschwinglich und ästhetisch sein.
  Space Age: Wohnen wie in einer Raumstation
  Mit dem Blick in die Sterne veränderten sich die Materialien radikal. Designer wollten Möbel kreieren, die auch in ein Raumschiff gepasst hätten.
• Materialien: Kunststoff, Glasfaser, glänzendes Chrom, Plexiglas und Schaumstoff. Es war die Geburtsstunde des "Plastik-Booms".
• Formen: Futuristisch, fließend, kugelförmig und biomorph. Kanten verschwanden zugunsten von Kapsel- und UFO-Formen.
• Farben: Knalliges Orange, Senfgelb, leuchtendes Rot und psychedelische Muster, oft kontrastiert mit cleanem Weiß oder Silber.
  Warum fasziniert uns der Stil heute noch?
  Der Mid-Century- und Space-Age-Stil war getrieben von einem unerschütterlichen Zukunftsglauben und Optimismus. Man war überzeugt, dass Technologie und gutes Design das Leben der Menschen verbessern würden.
  In einer heutigen Welt, die oft als komplex und unsicher empfunden wird, bringt uns dieser Stil ein Stück dieser nostalgischen Zukunftsvision zurück. Die zeitlose Eleganz der Mid-Century-Möbel lässt sich zudem hervorragend mit minimalistischen, modernen Einrichtungsstilen kombinieren – ein echter Beweis dafür, dass gutes Design niemals altert.
  In unserem Ebay Shop findet ihr unzählige Originale aus eben dieser Epoche. Stöbert doch mal in unserem Shop, ihr werdet bestimmt fündig

Das Bowlinghemd. Ein zeitloser Klassiker

 

Von der Kegelbahn auf die Straße: Die faszinierende Geschichte des amerikanischen Bowlinghemds

Man sieht sie auf Konzerten, Oldtimer-Treffen und auf den Straßen moderner Großstädte: Amerikanische Bowlinghemden sind weit mehr als nur alte Sportbekleidung. Sie sind ein Stück lebendige Popkultur, das den Geist vergangener Jahrzehnte atmet und gleichzeitig absolut zeitlos bleibt. Doch wie schaffte es ein funktionales Sporthemd, zu einem weltweiten Modesymbol zu werden? 

 Die Anfänge: Vom Volkssport zum Modetrend

Die Wurzeln des Bowlinghemds reichen zurück in die 1930er- und 1940er-Jahre. In dieser Zeit entwickelte sich Bowling in den USA von einem Kneipenzeitvertreib zu einem echten Breitensport. Ganze Firmen, Nachbarschaften und Vereine gründeten eigene Teams. Schnell entstand der Bedarf nach einer einheitlichen, wiedererkennbaren Kleidung, die den Teamgeist stärkte.

Seinen absoluten Höhepunkt erlebte das Hemd in den 1950er-Jahren. Bowlingbahnen schossen wie Pilze aus dem Boden und wurden zum sozialen Mittelpunkt amerikanischer Vorstädte. Die Hemden wurden bunter, die Stoffe fließender und das Design zu einem echten Statussymbol für Freizeitspaß und Zusammenhalt.

 Warum wir sie lieben: Der perfekte Mix aus Komfort und Stil

Die enorme und anhaltende Beliebtheit der Bowlinghemden liegt an ihrer unverkennbaren Ästhetik. Charakteristisch ist der sogenannte Camp-Collar – ein flach aufliegender, offener Reverskragen –, der dem Hemd seine typisch entspannte Note verleiht. Der weite, kastige Schnitt sorgte ursprünglich für maximale Bewegungsfreiheit beim Wurf, macht das Hemd aber auch im Alltag unglaublich bequem.

Hinzu kommt das einzigartige Design. Typisch sind kontrastierende Längsstreifen, farblich abgesetzte Taschen und Kragen sowie die ikonischen Stickereien. Ob der gestickte Vorname des Spielers auf der Brust oder das kunstvolle Logo des Teams auf der Rückseite – jedes originale Hemd erzählte eine eigene Geschichte. Die Verwendung von leichten, oft glänzenden Materialien wie Gabardine, Viskose oder Seide verstärkte den edlen und dennoch lässigen Look.

Der Sound der Hemden: Die Rock 'n' Roll- und Rockabilly-Szene

Ein entscheidender Wendepunkt, der das Bowlinghemd aus den Sportzentren direkt in die Jugendkultur katapultierte, war der Aufstieg des Rock 'n' Roll Mitte der 1950er-Jahre. Ikonen wie Elvis Presley griffen den lässigen Look auf. Das Hemd brach mit der strengen, spießigen Mode der Elterngeneration und strahlte eine rebellische Lässigkeit aus.

In der Rockabilly-Subkultur wurde das Bowlinghemd schnell zur absoluten Pflichtgarderobe. Die Szene, die die Musik, die Autos und den Kleidungsstil der 50er-Jahre feiert und bis heute lebendig hält, adaptierte das Hemd und entwickelte es weiter. Neben den klassischen Team-Designs trugen Rockabillies und Rockabellas Varianten mit eingestickten Hot Rods, Würfeln, Totenköpfen, Tiki-Motiven oder Schwalben. Bis heute gehört das Bowlinghemd auf keinem Rockabilly-Festival oder Vintage-Weekend weltweit weggedacht. Es steht symbolisch für die Liebe zu handgemachter Musik, Pomade im Haar und der Ästhetik des Mid-Century.

 Wer trägt die Klassiker heute?

Das Bowlinghemd hat den Sprung in die Moderne mühelos geschafft. In der Popkultur hinterließ es bleibenden Eindruck durch Charaktere wie Charlie Harper in der Serie "Two and a Half Men" oder John Goodman als Walter Sobchak im Kultfilm "The Big Lebowski".

Heute ist das Hemd fest in der globalen Streetwear-Szene verankert. Skater, Musiker und Fashion-Liebhaber schätzen den Retro-Vibe. Sogar große High-Fashion-Designer bringen jede Saison neue Interpretationen des klassischen Schnitts auf den Laufsteg. Das amerikanische Bowlinghemd hat eindrucksvoll bewiesen, dass echter Stil und funktionale Lässigkeit niemals aus der Mode kommen.

In unserem Onlineshop findet ihr eine große Auswahl an Bowlinghemden, und natürlich noch vieles mehr. Schaut einfach mal unter: Nostalgieshop.net/Bowlinghemden

 

Wandmasken von Cortendorf

 

Die faszinierende Geschichte der Cortendorf-Wandmasken

Wer in den 1950er- oder 1960er-Jahren ein stilvolles deutsches Wohnzimmer betrat, kam an ihnen kaum vorbei: elegant geschwungene, oft asymmetrische Frauenköpfe aus Keramik, die grazil von der Wand blickten. Die Wandmasken der Porzellanfabrik Cortendorf waren der Inbegriff des Mid-Century-Designs und erleben heute bei Sammlern und Vintage-Liebhabern ein riesiges Comeback.

Woher kamen diese Kunstwerke, wer steckte dahinter und warum sind sie heute so begehrt? Ein Blick zurück in die Ära von Nierentisch, Rock 'n' Roll und Pastellfarben.

 

Von Coburg in die Wohnzimmer der Welt

Die Wurzeln dieser Kultobjekte liegen in Bayern: Die Porzellanfabrik Cortendorf wurde bereits 1890 von Julius Griesbach in Coburg-Cortendorf gegründet. Ursprünglich stellte das Werk klassische Geschenk- und Gebrauchskeramik aus Feinsteingut her. Doch nach einer Neuausrichtung in den 1930er-Jahren verlagerte sich der Schwerpunkt immer mehr auf dekorative Ziergegenstände und figürliche Keramik.

Der eigentliche Geniestreich folgte im Jahr 1954: Der Bildhauer und Modelleur Albert Strunz stieß zum Unternehmen. Er brach radikal mit den alten, steifen Formen und brachte frischen, modernen Wind in die Entwürfe. Ab 1958 führte Strunz das Repertoire der Wandmasken ein, beginnend mit der legendären Modellnummer 3408.

Was macht die Masken so besonders?

Die Masken von Cortendorf trafen den damaligen Zeitgeist perfekt. Nach den entbehrungsreichen Kriegsjahren sehnten sich die Menschen nach Exotik, Eleganz und Weltoffenheit. Typisch für die Stücke aus dieser Ära waren:

Abkehr von der Symmetrie: Die Gesichter wurden meist im Halb-, Dreiviertel- oder Ganzprofil dargestellt.
Exotische Einflüsse: Sehr populär waren Darstellungen von Frauen mit dunkler Hautfarbe, kombiniert mit kontrastreichen, leuchtenden Haar- oder Ohrbändern (z.B. in Türkisblau oder Rot). 
 Das Material: Im Gegensatz zu klassischem, weißem Porzellan bestehen Cortendorfer Masken fast ausschließlich aus hochwertigem Feinsteingut (Keramik). 
Die Bemalung (Polychromie): Die Masken wurden aufwendig von Hand bemalt und glasiert. Besonders beliebt waren starke Kontraste – beispielsweise dunkelhäutige oder terracottafarbene Gesichter kombiniert mit zeittypischen Modefarben wie Türkisblau, Sonnengelb oder Pastellrosa. Oft trugen die Figuren skulpturale Details wie Haarbänder, Ohrringe oder kleine Vögel und Blumen im Haareiche, plastische Formen und eine hervorragende Farbhaftung.

 


 
Wer hat sie damals gekauft – und wer sammelt sie heute?
Damals: Das Symbol des neuen Wohlstands
In den 50er Jahren waren die Wandmasken ein erschwinglicher Luxus für die breite Masse. Gekauft wurden sie von der aufstrebenden Mittelschicht der Nachkriegszeit, die Sehnsucht nach Schönheit, Exotik und moderner Kunst in den eigenen vier Wänden hatte. Ein großer Teil der Produktion ging zudem in den Export (vor allem in die USA), wo der „West German Pottery“-Stil extrem angesagt war.

Heute: Eine leidenschaftliche Sammlergemeinschaft
Heute sind die Wandmasken längst aus den verstaubten Ecken der Flohmärkte herausgewachsen. Zu den heutigen Käufern gehören:
• Mid-Century- & Vintage-Liebhaber: Menschen, die ihre Wohnungen im authentischen Stil der 50er/60er Jahre einrichten und ein echtes optisches Highlight für die Wand suchen.
• Spezialisierte Keramik-Sammler: Es gibt eine riesige, weltweite Sammlerszene (organisiert in Foren und Facebook-Gruppen), die gezielt nach seltenen Modellnummern jagt.
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  Woran erkennt man eine echte Cortendorf-Maske?

  Wer auf Schatzsuche geht, sollte auf der Rückseite der Maske nach folgenden Merkmalen Ausschau halten:

  1. Die Modellnummer: In den Ton eingeprägte, meist 4-stellige Nummern (z. B. 3408 oder 3660).
  2. Die Prägung: Häufig findet sich der eingepresste Schriftzug „Cortendorf“ oder eine stilisierte Krone.
  3.  Papieraufkleber: Viele Masken hatten damals glänzende Papier- oder Folienetiketten mit dem Firmenlogo. Da diese über die Jahrzehnte oft abgewaschen wurden, sind Masken mit erhaltenem Aufkleber bei Sammlern besonders begehrt.
     
      Man sieht, die Cortendorf Masken waren mehr als nur Dekoration. Sie spiegeln das damalige Zeitgefühl, die Ästhetik und die Handwerkskunst der Mid-Century Zeit wieder.
     
     In unserem Ebay Shop  findet ihr zahlreiche Cortendorf Artikel unsd vieles mehr aus den goldenen Wirtschaftswunder Zeiten.